Tiziana Longo
Künstlerische Arbeit & Performances
In der Performance findet meine künstlerische Forschung ihre Gestalt.
Durch Choreografie, Butoh, zeitgenössischen Tanz, Ritual und interdisziplinäre Performance erforsche ich Bewegung als poetische Sprache, die offenbart, was Worte nicht ausdrücken können.
Keine meiner Arbeiten gleicht der anderen. Ich bin davon überzeugt, dass das verkörperte Leben stets umfassender ist als die Vorstellungen, die wir von uns selbst haben. Anstatt einem festen Stil oder einer bestimmten Ästhetik zu folgen, lasse ich jede Arbeit ihre eigene Form, ihren eigenen Rhythmus und ihre eigene Bildsprache finden.
Manche Arbeiten entfalten sich als vielschichtige Welten aus Bildern, Kostümen und theatraler Komposition, wie etwa *MUT*. Andere setzen auf radikale Schlichtheit und Stille, wie *TORO*. Diese Offenheit gibt jedem Werk die Freiheit, zu dem zu werden, was es werden muss.
Jede Performance ist eine Einladung, dem Körper als einem lebendigen Archiv von Erinnerung, Vorstellungskraft, Verletzlichkeit und Wandlung zu begegnen.
Mich interessiert Tanz nicht als bloße Bewegung, sondern als sichtbarer Ausdruck dessen, was uns bewegt, lange bevor der Körper sich in Bewegung setzt.
MUT Trailer 2026
Forschung & Einflüsse
Foto: Gabriele Cafici
Meine künstlerische Forschung erweiterte sich durch Feldforschung in Japan, Indien, Nepal und Bali, wo ich mich mit traditionellen und zeitgenössischen Tanzpraktiken sowie mit rituellen, meditativen und körperorientierten Disziplinen (Body-Mind-Praktiken) auseinandersetzte. Diese Erfahrungen haben mein Verständnis von Tanz als künstlerischem Ausdruck und zugleich als verkörpertem Wissen tief geprägt.
Mein Spektrum im Bereich der Körper-Geist-Forschung umfasst zudem die Yoga-Philosophie, traumainformierte somatische Praktiken und die Regulation des Nervensystems. Ich bin zertifizierte Hatha-Yoga-Lehrerin sowie Anbieterin von TRE® (Tension & Trauma Releasing Exercises) und absolviere derzeit eine Ausbildung zum Embodiment- und Trauer-Coach. Dieser somatische Hintergrund bereichert sowohl meine choreografische Arbeit als auch meinen Unterrichtsansatz, bei dem Bewegung zu einem Raum für Bewusstheit, Selbstwirksamkeit und Verbundenheit wird.
Performance, Choreografie & Komposition
Ich kann mich an keine Zeit erinnern, in der ich nicht choreografiert hätte. Als Kind füllte ich meine Hefte – während meine Mitschüler dem Mathematikunterricht folgten – mit bewegten Körpern und zeichnete Bewegungsabläufe anstelle von Zahlen. Lange bevor ich das Wort „Choreografie“ überhaupt kannte, stellte ich mir bereits Bewegungen vor.
Im Laufe von mehr als zwei Jahrzehnten hat sich diese frühe Faszination zu einer internationalen künstlerischen Praxis entwickelt, die sich über Europa, Japan und Australien erstreckt – durch Aufführungen, Kooperationen, Festivals, Residenzen und interdisziplinäre Projekte.
Für mich beginnt Choreografie niemals mit einem Stil.
Sie beginnt mit dem Zuhören.
Jedes Werk verlangt nach seiner eigenen Sprache.
Ganz gleich, ob ich für Tänzer, Musiker, Sänger, Schauspieler, Filmemacher oder interdisziplinäre Künstler arbeite: Meine Rolle besteht niemals darin, Bewegungen vorzugeben, sondern jene körperliche Sprache zu entdecken, die bereits zu der jeweiligen künstlerischen Welt gehört.
Bei der Entwicklung eines Solos entsteht ganz natürlich ein feiner Dialog zwischen der eigenen künstlerischen Stimme des Interpreten und dem Blick des Choreografen. Ich betrachte diese Beziehung nicht als eine Frage der Kontrolle, sondern als eine kreative Partnerschaft, die auf Vertrauen gründet.
Meine Aufgabe ist es nicht, den Ausdruck eines anderen Menschen durch meinen eigenen zu ersetzen. Vielmehr geht es darum, tief zuzuhören – auf ihre Geschichte, ihren Körper, ihre Präsenz zu achten – und zu erkennen, was in ihnen bereits lebendig ist. Durch Improvisation, Beobachtung und Dialog offenbart sich die Bewegung nach und nach. Erst dann beginne ich, das Entstandene zu komponieren, zu verfeinern und zu formen.
Anstatt eine Choreografie aufzuzwingen, lege ich sie frei.
Jeder Körper trägt seine eigene Weisheit, Schönheit und Geschichte in sich. Meine Rolle ist es, die Bedingungen zu schaffen, unter denen diese Wahrheit hervortreten und ihren stärksten künstlerischen Ausdruck finden kann.
Diese Arbeitsweise hat sich nach und nach zu „Poetry in Motion“ entwickelt – jener kreativen Methodik, die ich seit mehr als einem Jahrzehnt im Rahmen meiner künstlerischen Forschung und Praxis entwickle und die nun das Fundament meines kommenden Buches bildet. Verwurzelt in der Verbindung von Verkörperung und Poesie, schult sie den Blick des Komponisten, sodass jede Schöpfung als ein verkörpertes Gedicht entstehen kann.
Ausgewählte Auftritte & Festivals:
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La Biennale di Venezia (2010), ausgewählt von und unter der Leitung von Ismael Ivo
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No Ballet (2014)
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Lucky Trimmer, Berlin (2016)
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Dance Ga Mitai Contemporary Dance Festival, Tokio
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Oulu Dance Festival, Finnland
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Kaunas M. K. Čiurlionis National Museum of Art, Litauen
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Riga International Startelpa Performance and Theatre Festival, Lettland
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Tokyo International Performing Arts and Theatre Festival, Theater X
Der kreative Prozess
Foto: Gabriele Cafici
Ich beginne nie mit der Choreografie.
Ich beginne mit dem Zuhören.
Mich interessiert weder der Tanz um des Tanzes willen noch die Bewegung um der Bewegung willen. Im Tanz suche ich nach etwas Größerem: einem tieferen Verständnis dessen, was es bedeutet, Mensch zu sein.
Meine Arbeit gründet in der Überzeugung, dass unser Menschsein – mit all seiner Zerbrechlichkeit, seinen Widersprüchen, seiner Schönheit und seinen Unvollkommenheiten – nichts ist, das es zu überwinden gilt, sondern etwas, das es voll und ganz zu bewohnen gilt. Jede Schöpfung wird zu einer Erkundung dieses Paradoxons: unser Menschsein anzunehmen und zugleich offen zu bleiben für das Geheimnis, das es durchströmt.
Jeder Körper trägt bereits ein Gedicht in sich.
Der kreative Prozess ist schlicht der Akt, dieses Gedicht sichtbar werden zu lassen.
Ich suche nicht nach schöner Bewegung.
Ich suche nach wahrhaftiger Bewegung.
Manchmal ist Stille die tiefste Form von Bewegung. Manchmal geht es bei der Choreografie nicht darum, Bewegung hinzuzufügen, sondern jene Bewegung zu entdecken, die bereits vorhanden ist.
Durch Atem, Wahrnehmung, Improvisation und den Dialog des Körpers mit Raum, Zeit, Objekten und anderen offenbart sich die Bewegung allmählich. Komposition beginnt nicht mit dem Anordnen von Bewegungen, sondern mit dem Erkennen von Beziehungen – zwischen Körpern, Gestik, Stille, Erinnerung und dem Unsichtbaren.
Meine künstlerische Forschung steht im Dialog mit Künstlern wie Kazuo Ohno, Pina Bausch, Ohad Naharin und Sharon Eyal. Ihr Werk hat meine eigene Suche nach einer künstlerischen Sprache, in der Poesie, Menschsein, verkörperte Intelligenz und Präsenz eins werden, tiefgehend bereichert. Sie sind für mich keine Vorbilder zur Nachahmung, sondern beständige Begleiter in meiner fortwährenden künstlerischen Auseinandersetzung.
Ich habe erkannt, dass mich die Bewegung an sich nicht interessiert.
Mich interessiert das, was die Bewegung hervorbringt.
Jenes unsichtbare Leben, das den Körper bewegt, noch bevor dieser sich zu bewegen beginnt.
Unterricht & künstlerisches Mentoring
Foto: Gabriele Cafici
Das Unterrichten ist nach wie vor einer der größten Lehrer meines Lebens.
Nachdem ich viele Jahre lang internationale Workshops, Festivals und intensive Trainingsprogramme mit meiner früheren Kompanie, der Motimaru Dance Company, geleitet hatte, markierte der Abschluss dieses Kapitels einen tiefgreifenden Wendepunkt in meinem Leben.
Heute ist meine Arbeit tiefer verwurzelt. Jeden Tag zu unterrichten und jede Woche viele verschiedene Gruppen zu treffen, hat mir die außergewöhnliche Gabe, Verantwortung und das Privileg des Unterrichtens als tägliche Praxis offenbart. Jede Begegnung prägt mich weiter und vertieft nicht nur mein Verständnis von Bewegung, sondern auch mein Verständnis von Menschen, Beziehungen und mir selbst.
Heute beginne ich nicht mehr mit dem Unterrichtsplan, den ich vorbereitet habe – nicht weil ich keinen habe, sondern weil ich zunächst damit beginne, die Menschen vor mir zu treffen.
Der Plan gibt eine Richtung vor; Die Gruppe zeigt den Weg auf.
Jede Gruppe ist anders.
Jeder Tag ist anders.
Bevor Sie fragen,
„Wohin gehen wir heute?“
Ich frage zunächst:
Wer ist heute hier?
Wie ist deine Energie heute?
Wie ist Ihr Körper heute angekommen?
Erst dann beginnt unsere Reise.
Jede Klasse wird eher zu einem Dialog als zu einem Ziel. Gemeinsam finden wir heraus, wohin wir an diesem Tag entsprechend der Realität der Menschen im Raum gehen können. Ich glaube, dass sich Lernen nur entfalten kann, wenn Vertrauen, Präsenz, Neugier und die echte Bereitschaft vorhanden sind, einander so zu begegnen, wie wir sind.
Einer der tiefsten Werte meiner Lehre ist, dass niemand ungesehen bleibt.
Ganz gleich, ob ich mit professionellen Künstlern zusammenarbeite oder mit Menschen, die Bewegung zum ersten Mal entdecken, ich versuche, einen Raum zu schaffen, in dem sich jeder willkommen, anerkannt und ermutigt fühlt, sich in seinem eigenen Tempo zu entfalten. Jede Klasse verdient die gleiche Tiefe an Präsenz, Sorgfalt und künstlerischer Integrität.
Im Laufe der Jahre wurde mir klar, dass meine Schüler mir genauso viel beigebracht haben, wie ich ihnen beigebracht habe. Jede Gruppe vertieft mein Verständnis weiter – nicht nur für Bewegung, sondern auch für Menschen, Beziehungen und was es wirklich bedeutet, einen anderen Menschen in einem Wachstumsprozess zu begleiten.
Das Unterrichten hat mich nicht nur zu einem besseren Künstler, sondern auch zu einem besseren Menschen gemacht.
Ich habe Yoshito Ohno 5 Jahre lang assistiert:
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2006 Mitarbeit im Workshop von Yoshito Ohno im Atelier Carolyn Carlson Théâtre de la Ville, Paris, Frankreich
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2007 Mitarbeit an Yoshito Ohnos Workshop an der Universität Bologna für das Festival „Buon Compleanno, Maestro. Omagio a Kazuo Ohno“, das im Archäologischen Museum von Bologna, Italien, stattfand.
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2007 Unterstützung von Yoshito Ohno bei der Entwicklung einer Performance mit Carla Fracci für das Kazuo Ohno 100 Flowers Festival in Yokohama, an der Oper von Roma.
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2007 Probenassistentin und Mitwirkung mit dem Kazuo Ohno Dance Studio beim Finale des Hyakkaryouran Galakonzerts im Kanagawa Prefectural Seishonen Centre anlässlich des hundertsten Geburtstags von Kazuo.
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2007 Unterstützung von Yoshito Ohno bei der Performance in einer multidisziplinären Ausstellung zum 101. Geburtstag von Kazuo Ohno im Sesc Avenida Paulista, São Paulo, Brasilien
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2007 Assistenz bei Yoshito Ohnos Aufführung von „KUU“ im Rahmen des Kazuo Ohno Festivals in New York, USA
Ohno Yoshito 2005
Setsugekka with Yoshito Ohno and TizianaLongo at The Kazuo Ohno Dessin Festival, Kushiro, Hokkaido 2007
Foto: Azumasan
Künstlerische Abstammung & Begegnungen
Foto: Gabriele Cafici
Jeder Künstler steht in einer Tradition nicht, um sie zu imitieren, sondern um den Dialog fortzuführen.
Eine der prägendsten Begegnungen meines künstlerischen Lebens war die fünfjährige Zusammenarbeit mit Yoshito Ohno. Als sein persönlicher Bühnenassistent und Dolmetscher begleitete ich ihn bei Workshops, Proben, Aufführungen und im Alltag von Europa über Japan und Brasilien bis in die USA.
Dies war weit mehr als eine künstlerische Ausbildung; es war eine Lehre in der künstlerischen Weitergabe. Durch Proben, Reisen, gemeinsame Mahlzeiten, japanische Kalligrafie, Musik und unzählige Gespräche entdeckte ich, dass Verkörperung nicht bloß etwas ist, das man übt, sondern eine Lebensweise.
Als Yoshitos Dolmetscher lernte ich zudem, dass Übersetzen weit mehr bedeutet als Sprachvermittlung. Es ist ein Akt des tiefen Zuhörens, der die Fähigkeit erfordert, nicht nur Worte zu übertragen, sondern auch Rhythmus, Absicht, Kultur und Präsenz.
Diese Begegnung prägte meine künstlerische Philosophie zutiefst und inspirierte mein kommendes Buch *Like the Stones on the Riverbed (2004–2026)* – eine Reflexion über künstlerische Weitergabe, Verkörperung und den lebendigen Dialog zwischen Lehrer und Schüler.
Neben dieser Traditionslinie haben Begegnungen mit Ohad Naharin und Akira Kasai meinen künstlerischen Horizont erweitert, während die künstlerischen Welten von Pina Bausch und Marina Abramović auf meinem gesamten Weg beständige Inspirationsquellen geblieben sind. Gemeinsam nähren diese künstlerischen Stimmen meine eigene Suche nach einer Sprache, in der Menschlichkeit, Verkörperung, Präsenz und Poesie zu einer Einheit verschmelzen.