Toro
Solotanz-Performance
2024 Theater Xcai, Tokio
Konzept, Dramaturgie, Tanz: Tiziana Longo
Musik & Lichtdesign: Masaru Soga
Foto: Makino Hiroshi
Gast: Sopranistin Marielle Murphy
Ole' Ole' Ole' Ole' Ole'!!!
In Spanien hat der „Toro“, der Star-Stier, in der sogenannten „Corrida“, dem Stierkampf, keine Überlebenschance. Seiner Kraft beraubt, erleidet er eine brutale Demütigung und bricht zusammen, blutend.
Der Toro hat keinen Ausweg. Ist es das Ende oder der Anfang?
Er war immer das Opfer.
Bis jetzt.
Aber jetzt …
Dieses Stück schildert den einsamen und aufopferungsvollen Weg eines Toros, fernab von Matadoren, patriarchalen Regeln, Missbrauch, Gewalt, Sexismus und Geschlechterdiskriminierung.
Ein Stück über Trauer, Widerstandskraft und Loslassen.
Eine rituelle Performance von „unspielbaren“ Filmbildern, mit Humor, Kontrasten, Wendungen und den surrealen Fantasien des romantischen italienischen Vintage-Kinos.
Toro: Ergreift er die Initiative und stellt er das Bild der schönen Frau infrage?
Das Stück enthält Nacktheit.
MUT
Konzept, Tanz, Installationsidee, handgefertigtes Geschenk für das Publikum: Tiziana Longo
Musikkomposition und Violine: Hoshiko Yamane
Aufgeführt in Tokio, Berlin, Sydney, Brüssel, Riga
2017–2018–2019–2024
Informationen sind unerlässlich, um eine kritische Haltung zu stärken. Tanz ist essenziell; er besitzt die Kraft, Menschlichkeit zu bewahren und die Menschen unmittelbar zu berühren.
Wie oft sehen wir wirklich, was direkt vor uns liegt?
Wie oft lesen wir Nachrichten, ohne die Tiefe der dahinterliegenden Realität zu erfassen? Täglich werden wir mit Nachrichten überhäuft; wir nehmen Konflikte, Kriege, Machtspiele, Herrschaftsstrukturen, Manipulation und Missbrauch zur Kenntnis, doch selten berühren sie uns tief. Erst wenn wir persönlich betroffen sind – wenn solche Vorurteile nicht mehr nur einen Einwanderer oder Flüchtling treffen, sondern einen geliebten Menschen: einen Freund, ein Familienmitglied, unsere Tochter oder Mutter –, ändert sich das.
Wir sind es gewohnt, solche Nachrichten zu hören, die Zeitung beiseite zu legen und unseren Alltag wie gewohnt fortzusetzen. Doch was würden wir sehen, wenn die Zeitung plötzlich lebendig würde – wenn sie knistern, anschwellen und explodieren könnte? Was würde aus ihr hervortreten? Welche visuellen und körperlichen Erfahrungen würden sich dem Publikum eröffnen?
Das Stück schlägt eine Brücke vom Persönlichen zum Öffentlichen; es ist ein „kollektives Solo“, das Geschichten von Frauen aus unterschiedlichsten Ländern und Kulturen vereint. Sie werden zu Ikonen, die die widersprüchlichen Facetten unserer Gesellschaft verkörpern. Im Kontext von Frauen- und Menschenrechten ist das Wort „MUT“ von besonderer Bedeutung: Im Altägyptischen bezeichnete es eine Muttergottheit – eine Urgottheit des Wassers, die kosmische Mutter, die Leben gebiert. Zugleich schwingen in „MUT“ Begriffe wie „mutilated“ (verstümmelt), „mutual“ (gegenseitig) und „multiracial“ (multirassisch/vielfältig) mit.
Es geht um die Dominanz und Manipulation durch heutige Medien, um Konflikte der individuellen, kulturellen und religiösen Identität sowie um Nationalismus, Rassismus und Vorurteile.
Wie können wir uns öffnen, unsere Masken ablegen und zu unserem wahren Selbst zurückfinden?
„MUT“ ermutigt zu neuen Schritten hin zu Würde, Gleichberechtigung und Freiheit.
ACQUA/Wie die Steine auf dem Grund des Flusses
ACQUA/Come le pietre sul letto del fiume
Konzept/Bilder/Dramaturgie und Tanz: Tiziana Longo
Musikkomposition: Hoshiko Yamane
Installation und Kostüm: Almyra Weigel
Unterstützt vom Bezirksamt Neukölln von Berlin für das Festival an der Kunstbrücke am Wildenbruch
Im Rahmen der Initiative „Draussenstadt“ wurde das Projekt für das Festival „Über Wasser“ ausgewählt.
Die Toilettenanlage an der Wildenbruchbrücke, die von der Stadtverwaltung in eine Galerie umgewandelt wurde, liegt zwischen dem Weiganduferkanal und dem Wildenbruchplatz und bildet den Rahmen für die Begegnung und das Fest. Die Stadtverwaltung hat Künstlerinnen und Künstler eingeladen, ein Projekt zum Thema „Auf dem Wasser“ zu gestalten.
Alle Veranstaltungen finden im Freien statt und sind kostenlos.
ACQUA/Wie die Steine auf dem Grund des Flusses ist eine ortsspezifische Performance, die speziell für den Weiganduferkanal am Wildenbruchplatz konzipiert wurde.
Die Performance selbst ist eine Reise – ichi-go ichi-e 一期一会.
Einmalig im Leben!
Bei dieser Performance war ich seit drei Wochen an einer Meniskusverletzung verletzt. Aber ich war dabei.
Ich danke Bezirk Pankow für die Unterstützung.
Siehst du die Blumen?
Nach einer so langen, schweren Zeit der weltweiten Pandemie, eingesperrt zu Hause: Wasser! Die Sehnsucht, neu geboren zu werden und zu blühen
Unsere Lebenskräfte, unseren Geist, unser Dasein zu begießen
wie Blumen zu gießen
Heilung ist ein langsamer Prozess
Und der Fluss ist lang
Du heilst, wenn du entscheidest, welches Boot du nimmst – und es besteigst
Treiben
Treiben
auf dem Wasser
Es ist das Wasser
Ein treibendes Objekt bewegt sich
Es ist das Objekt des Traums...
das Unbewusste, das auf dem Fluss des Bewusstseins treibt...
Wir stehen in unserem Dasein wie Steine.
Die Steine dieses Flusses wirken hart und gefühllos
Wir liegen in unserem Dasein wie Steine
Die Steine in diesem Fluss sehen hart aus, doch sie sind vom Wasser geformt – das Wasser fließt hindurch
Wir alle werden durchströmt
Aufführung in Berlin, am Weigandufer/Wildenbruchplatz
Eröffnung durch die Kulturstadträtin Karin Korte und die Galerieleiterin Dorothee Bienert
Im Rahmen der berlinweiten Initiative DRAUSSENSTADT veranstaltet das Kulturamt vom 17. bis 19. September 2021 das Festival „Über Wasser“ an der Kunstbrücke am Wildenbruch.
An diesen drei Tagen präsentieren verschiedene Künstler und Künstlerkollektive 14 sehr unterschiedliche Aktionen und audiovisuelle Performances – über dem Wasser, am ehemaligen Schiffsanleger, rund um den Wildenbruchpark und am neu gestalteten Weigandufer.
Ich trat bei dieser Performance an, obwohl ich mir vor drei Wochen eine Meniskusverletzung zugezogen hatte. Dennoch war ich dabei.
Ich danke dem Bezirk Pankow für die Unterstützung.
TERRA MADRE
Ein Foto- und Körperinstallationsprojekt
Dramaturgy and Dance: Tiziana Longo
Photo : Gabriele Cafici
Photographed in the Necropolis of Pantalica, Sicily
TERRA MADRE ist die erste Serie eines ortsspezifischen Gemeinschaftsprojekts auf Sizilien, das in Zusammenarbeit mit dem sizilianischen Fotografen und Architekturgestalter Gabriele Cafici entstand. Cafici widmet sich seit vielen Jahren den Themen Identität, Wurzeln und Heimat (Terra Madre). Seine Arbeiten – angesiedelt im Spannungsfeld zwischen Licht und Schatten, Realität und Fiktion – erzählen von der Poesie des Lebens, dem Verstreichen der Zeit und den Facetten der Existenz; sie dringen tief in die vielschichtige Frage ein, wer wir im Grunde sind und woher wir kommen.
Die lokale Dimension, eingebettet in einen umfassenderen anthropologischen Kontext, ruft emotionale Zustände und morphologische Aspekte hervor: Der Alltag – geprägt von Gewohnheiten, Bräuchen und kulturellen Eigenheiten – wird durch die Fotografie zur Kunst.
Ich habe diese Zusammenarbeit mit Gabriele begonnen, um die verborgenen Wunder unserer Heimat Sizilien sichtbar zu machen – eines Landes voller magischer Landschaften, unverfälschter Authentizität, Großzügigkeit und einer Liebe, die so kraftvoll ist wie ein Vulkan.
Nach langer Zeit kehren wir zurück
Wenn Mutter Erde
Die Berührung
Das Feuer des Ätna
Die Herdstätte
Die harmonisch erlischt
jedes Mal wie immer
Um unversehrt wiedergeboren zu werden
Jeden Morgen
wie eine Blume
Du
ARIA
Solo-Performance / Räumliches Erlebnis / Live-Musik
Konzept, Tanz, Installation: Tiziana Longo / Motimaru Tanz Violine: Hoshiko Yamane Orgel: Peter Bretsch
Kostüm: Tiziana Longo/Almyra Weigel
Aufgeführt in der Zionskirche, Berlin im Oktober 2020 und in der St. Christoforus Kirche für das Festival 48 Stunde Neukölln im Juni 2021
Einengendes Homeoffice, überbordende Online-Meetings via Zoom – wie reagiert der Körper – mit seinen Nerven, Knochen, Muskeln, der Haut, seiner Oberfläche und Tiefe – auf all das? Durch die weltweite Covid-19-Pandemie hat sich das Leben aller Menschen verändert: soziale Einschränkungen, Abstandsregeln und Lockdowns prägen den Alltag.
Draußen hinter Masken verborgen und doch umgeben von einer Luft, die ständig unsere Sicherheit bedroht; das Leben in Ungewissheit und der Gefahr einer Ansteckung; die erzwungene Isolation, das Eingesperrtsein zu Hause, die Vermeidung sozialer Kontakte und Berührungen – wie funktionieren und reagieren Körper und sensorisches Nervensystem darauf?
Welche Reize erreichen uns im Alltag, und wie lassen sie sich im Sinne der Propriozeption – des Wahrnehmens von Körperposition und -bewegung – übersetzen? Welchen Einfluss hat die Pandemiesituation auf den Bereich von Performance und Tanz? Wie und wohin bewegen sich Stile, Formen und Genres?
Das Stück – konzipiert als „räumliche Erfahrung im Entstehen“ (Spacial Experience In-progress) – bildet die Reise des vergangenen Jahres ab und zeigt, wie Menschen die neue „Luft“ erleben.
Aria
Wind
etwas, das man nicht greifen kann
ARIA
Die Geschichte einer Nonnen-Sardine
Aria Ariare Ariata AAAAAAAAAAAAAAAAARRRRRRRRRRRRR IA – Luft, die eingeatmet wird
geatmet, berührt
Das Feuer wütet
Unsichtbar
Nicht greifbar
Es entreißt uns jemanden
Berührung
Atem
Die Angst, die uns trennt
Was ist das?
Ist es real oder fiktiv? Ist es Misstrauen?
Ist es Gleichgültigkeit gegenüber Berührung?
Ist es das Fehlen von Berührung?
Welche Berührung? Wessen Berührung? Luft? Ist es Unglaube? Der Glaube?
Hat es dich je berührt?
Habe ich dich je berührt?
Hast du?
ACQUA
Konzept, Tanz und Kostümidee: Tiziana Longo
Kostümumsetzung: Elya Yalonetski
Wasser und das Wässern
Der Wunsch, geboren zu werden, zu wachsen, zu reifen, zu blühen, zu hegen und zu vergehen.
Und die Wiedergeburt!
Aufgeführt am Fluss Panke in Berlin im Rahmen von Elya Yaloneskis Projekt „Art Promenade“ im August 2020.
SPAGHETTI
Konzept, Choreografie und Tanz: Tiziana Longo (Motimaru)
Die alltägliche Realität, transformiert in eine surreale Dimension, wird zu einem Traum, in dem menschliche Emotionen bis hin zum Nullpunkt miteinander verschmelzen. Dort schreitet die Wandlung voran und entfaltet sich zu Veränderung, Innovation und Absurdität in ihrer vollen schöpferischen Kraft. Eine köstliche Zukunft, die es zu kosten gilt.
Buon Appetito!
Aufgeführt im Tatwerk, Berlin, im Jahr 2019
GANGSTERS
Regie, Choreografie und Kostüme von Tiziana Longo
mit Toni Starker, Joanna Jani und Marylin Moradian
Ausgehend von den Gemälden „Conformity“ und „Uniformity“ von Nina L. Felice erforscht das Stück durch subtile Körperbewegungen die Festgelegtheit des Körpers sowie dessen Möglichkeiten zur Dekonstruktion und Rekonstruktion. Zwischen Traum und Wirklichkeit, Tragik und Komik, Sakralem und Profanem porträtiert das Werk drei gewöhnliche Frauen, die zu Gangsterinnen werden.
Was ist ihr Verbrechen?
Aufgeführt im August 2019 im Tatwerk in Berlin.
ME TOO
Konzept und Tanz: Tiziana Longo
Wie viele Frauen wurden angegriffen? Und wie viele Männer?
Man kann auch in einem tibetischen Kloster angegriffen werden.
Auch in Kirchen haben sich Priester als Täter erwiesen.
Es war der Vater, der Großvater, ein Freund der Familie.
Ein Bekannter sagte mir, so etwas geschehe auch aufgrund der Art und Weise, wie ich, du oder wir lächelten oder uns bewegten ...
Was denkst du? Was denkt deine Schwester? Deine Mutter?
Wenn Menschen irgendeine Form von Gewalt, Manipulation oder Trauma erleben, werden außergewöhnliche Kräfte in ihnen aktiviert ...
... Kräfte, die sich blitzschnell entfalten, während uns zugleich das Gefühl der Überwältigung überrollt.
Es kann extrem schwierig sein, damit umzugehen.
Und es mag Zeit brauchen, bis die Wunden heilen – doch es wird eine radikale spirituelle Wandlung sein.
Aufgeführt im Acker Stadt Palast, Berlin, im Jahr 2019.
O
Solotanz
Konzept, Tanz: Tiziana Longo
Betreuung: Motoya Kondo Musik: Hoshiko Yamane Kostüm: Jean Beißel
Aufgeführt im Acker Stadt Palast Theater, Berlin, 2019
Eine Reise, auf der die Grenzen zwischen Bühne und Publikum verschwimmen – auf der Suche nach dem, was für immer verschwindet
bleibt, falls es bleibt
zurückkehrt
Tu Tun Tu Tun Tu Tun Tu Tun Piiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii iiiiiiiiii iiiii iiii iii ii i i i i i O
Aufgeführt im Acker Stadt Palast, Berlin, 2018
AKA
„赤AKA“ Vol. 1-5
Konzept, Tanz, Installation: Tiziana Longo / Motimaru Dance
Kostüm: Tiziana Longo
Eine Reihe von Bewegungsstudien zu Körper und Geist zum Thema „Weiblichkeit“. Weiblichkeit bezieht sich hier nicht auf Feminismus, sondern auf menschliche Qualitäten.
In „赤AKA/RED“ setzt Motimaru seine Forschung zur Bewegung hinter der Bewegung fort.
Was verbirgt sich dahinter? Und was hinter dem Dahinter?
Die Abendveranstaltung umfasst drei Performances: ein Solo, ein Trio und ein weiteres Solo.
Aufgeführt in Berlin bei UTERO, Supalife Kiosk Gallery, Helmodtplatz Nachbarschaft und Tatwerk 2016–2019
LOVE FOR A
Projekt. OA ∞ Orbitalaritual | Liebe zu A"
Konzept & Tanz: Motimaru (Motoya Kondo/Tiziana Longo) x IZEN (Hongkong)
„Love for Aritual / Love for A“ war eine Körperinstallation, begleitet von Live-Musik von Izen.
Zu dieser Zeit arbeitete ich an dem Stück „MUT“ und präsentierte eine offene Fassung der ersten und zweiten Szene daraus.
Ich experimentierte mit Zeitungspapier als Material und untersuchte dabei Themen wie Textur, Oberflächen und Tiefen.
Aufgeführt im Bergen Kyott, Norwegen, im Oktober 2017.
MARE
FUORI DAI DENTI A PIEDI NUDI
Performance/ Spatial experience for photo shooting captured bu IRIGENIA ProudActions
Concept, Dance: Tiziana Longo
Danzare a piedi nudi
fuori dai denti
Als die Metamorphose das Gleichgewicht erreichte und die Stute endete
Dove il mare finisce poi ricomincia
Aufgeführt in Santorini, Griechenland, im Jahr 2016
STILL LIFE
„STILLLEBEN“
Konzept, Tanz, Installation: Tiziana Longo & Motoya Kondo / Motimaru
Dies war eine performative Aktion für ein Fotoshooting auf Santorini, festgehalten von IRIGENIA ProudActions.
Santorini, Griechenland, September 2016
TWILIGHT
Regie, Konzept, Choreografie, Tanz: Motoya Kondo, Tiziana Longo
Musik: Hoshiko Yamane
Wenn wir jemanden bedingungslos und tief lieben, können wir den anderen sowohl körperlich-physisch als auch metaphysisch-geistig vollkommen spüren. In einem solch empathischen Raum beginnen die Grenzen des Selbst zu verschwimmen und die Dualität zwischen den Polen aufzulösen.
Was in der „DÄMMERUNG“ (TWILIGHT) entsteht, ist ein Zwischenzustand: Nicht nur Ich und Du, sondern auch Tänzer und Publikum, Mann und Frau, Mensch und Tier, Leben und Tod, Alles und Nichts verschmelzen zu vagen Formen; alle Grenzen, Konturen, Gestalten und Farben lösen sich in Raum und Zeit auf. Eine neue Landschaft erwacht zum Leben – eine heilige Höhle, die es zu betreten gilt und die durch den Tanz als Spiegel dient, in dem sich der Einzelne selbst betrachten kann. Die Bewegung, die diesen kraftvollen Bildern und ihrer Ästhetik zugrunde liegt, ist eine vielstimmige, reine Bewegung – wie ein unaufhörlicher Strom, der gewöhnliche Rhythmen und Choreografien überwindet und in dem sich das Reale mit dem Mythischen vermengt.
Dies ist eine Einladung, auf die körperliche Empathie zu hören und in das Reich des Unsichtbaren jenseits des Bewusstseins einzutreten. Das Stück möchte der heutigen, von Konflikten zwischen Individuen, Nationen und Religionen geprägten Gesellschaft einen Zufluchtsort bieten, indem es die Verbindung zur tiefen physischen Realität und zur noch tieferen, traumartigen und vergänglichen Welt wiederherstellt. Ein Ort des Gebets und der Hoffnung, an dem sich Vorstellungskraft, Emotionen und die höheren inneren Qualitäten der menschlichen Natur entfalten und erweitern können.
Aufgeführt von 2015 bis 2019 in Istanbul, Maastricht, Berlin, Tokio, Sydney, Antwerpen und Basel.
BODILY NEWS
Konzept, Regie, Tanz: Tiziana Longo, Motoya Kondo
Musik: Hoshiko Yamane
Jeden Tag werden wir mit Nachrichten überhäuft.
In manchen Ländern werden die ursprünglichen Nachrichten von den Medien und den dahinterstehenden Unternehmen manipuliert.
Täglich werden dieselben Nachrichten von einem Land ins andere übertragen – jedoch in unterschiedlicher Weise, Tonalität und Filterung, abhängig von der politischen Ausrichtung der jeweiligen Zeitung, des Radiosenders oder Fernsehkanals sowie der Politik des Landes selbst.
Wirtschaftliche Interessen, historische Hintergründe und kulturelle Unterschiede beeinflussen, was wir hören, lesen, denken und worauf wir unsere Vorstellungen projizieren.
All diese verbal vermittelten Nachrichten dringen in unseren Körper und Geist ein; sie lösen Emotionen und Gedanken aus und verleiten zu vorschnellen Urteilen. Wir beurteilen die Welt, ohne die Realität unmittelbar erfahren zu haben – ausgehend von der Art und Weise, wie die Dinge auf mich wirken; doch meistens entspricht dies nicht der tatsächlichen Beschaffenheit der Dinge, sondern spiegelt lediglich wider, wie ich meine eigenen Emotionen oder Gedanken auf sie projiziere...
Doch was geschieht, wenn wir diesen Mantel aus Informationsfluten und Projektionen ablegen?
Aufgeführt im Tatwerk, Berlin, im Jahr 2015
HEIMAT
Konzept/Tanz: Motimaru (Tiziana Longo/Motoya Kondo)
Was ist Heimat? Was bleibt noch Heimat, wenn sie durch einen Tsunami, ein Erdbeben oder eine Atomexplosion zerstört wird? Was ist dann noch Heimat?
Aufgeführt im Japanisch-Deutschen Zentrum in Berlin im Jahr 2012
PEACOCK
Konzept: Peacock & Goldsmith
Tanz: Motimaru (Motoza Kondo/Tiziana Longo)
In diesem Auftritt für die Band Peacock and Goldsmith gab es zwei archetypische Figuren, halb Mensch, halb Nicht-Mensch.
Eine uralte, heilige Tierseele im Körper eines jungen Mädchens
At.tension Festival 2013, Lärz, Deutschland
Alle Fotos von Peacock
SHIROKUROCHAN
Konzept, Coreographie & Tanz: Motimaru (Tiziana Longo/Motoya Kondo)
Die Idee und der japanische Titel sind von einem japanischen Comic mit dem Titel „Tekkonkinkreet“ beeinflusst.
Weiß und Schwarz sind, ähnlich wie Yin und Yang im Taoismus, kleine Wesen, die die zwei gegensätzlichen Elemente des Universums verkörpern: Gut und Böse, Frau und Mann, Westen und Osten, Himmel und Erde. Möge in ihrer Distanz stets Gleichgewicht und Unterschied bestehen bleiben, vereint in der Unendlichkeit der Liebe.
Biennale Venedig „Marathon des Unerwarteten“ 2010, Venedig, Italien
SEPPUN/BACIO
Bacio profondo/ Tiefer Kuss/ Seppun
Es gibt viele Länder, viele verschiedene Geschichten. Jeder spricht seine eigene Sprache. Leben entstehen, Leben vergehen; Menschen verlieben sich, Menschen trennen sich.
Was verbindet uns? Was trennt uns?
Gewidmet all jenen, die etwas zu vergeben haben oder denen vergeben werden muss.
Aufgeführt im Terpsichore Theater in Tokio, Japan (2009)
SETE
Konzept, Tanz: Tiziana Longo
Ci sono i fiori
Sono tanti
Tutti belli
Ogni fiore e'unico
Das sind die Blumen, die Nascono und die Blumen, die er segnet
Io ho sete
Es gibt Blumen.
Es gibt viele.
Keiner von ihnen ist weniger.
Und jeder von ihnen ist einzigartig.
Es gibt Blumen, die blühen, und Blumen, die vertrocknen
Ich habe Durst
Meiner Großmutter Nerina gewidmet
Aufgeführt im Terpsichore Theatre, Nakano, Tokio, Japan 2008
Frida Kahlo
Konzept/Tanz/Szenografie: Tiziana Longo
Diese Performance ist von den Bildern Frida Kahlos inspiriert.
Blutend, das schönste Rot
Unnahbares, abweisendes Urteil
Kaiser sein und dem Reich angehören, und eine Königin sein – ohne
Mein Lieblingskleid auf der Schneiderpuppe
Mein Lieblingsessen außerhalb der Saison
Es gibt viele Blumen, doch nicht alle Blumen lassen sich kaufen
Es gibt Kanji, die sich nicht übersetzen lassen
Es gibt Weine, die man nicht mischen kann
Es gibt Flüsse, die nicht fließen können
Es gibt Vulkane, die ausbrechen müssen
Aufgeführt 2010 in der Brotfabrik Berlin.
Dies war meine erste Performance in Berlin, noch bevor ich eine eigene Wohnung hatte.
BARA TO BOTAN
Konzept und Tanz: Tiziana Longo
Betreuung: Ohno Yoshito
Eines Tages ging ich in die Bibliothek, und Frida Kahlos Tagebuch fiel mir auf den Kopf.
Und ich begegnete ihr – Frida. Es traf mich mit ziemlicher Wucht am Kopf. Und dieser Eindruck blieb.
Frida war eine ebenso umstrittene wie charismatische Malerin und Persönlichkeit. Sie war tief in der Kunst, der Liebe und der Politik verwurzelt.
Sie war mutig und leidenschaftlich. Manchmal vielleicht ein wenig zu sehr.
Ich begann, ihr Tagebuch zu lesen, und es berührte mich zutiefst.
Zu jener Zeit hatte ich gerade einen schweren Autounfall hinter mir.
Dies war meine erste Butoh-Performance in Japan, im Ohno-Studio.
Sie war inspiriert von einem schweren Autounfall, den ich im Alter von 20 Jahren erlitten hatte.
Damals sagte mein Meister Yoshito zu mir: „Du musst bei deinem Unfall ansetzen. Bei jenem Moment, in dem du hättest sterben können.
Dort, wo das Licht erlosch und wo es allmählich wiederkehrte.“
Im Kazuo-Ohno-Studio, Kamihoshikawa (Yokohama), im Jahr 2006.



































































































































































































































































































